Målade degas med

Ändå är det ingen tvekan om att om Degas utveckling stannar för tillfället eller helt enkelt försvinner i den här riktningen, är det osannolikt att han idag blir berömd som en av pionjärerna i förnyelsen av fransk konst. Men Degale ville inte sluta vid denna tidpunkt i sin utveckling, och hans rastlösa och nyfikna natur tillät inte heller hans konstnärliga utveckling att fokusera på att observera och objektivt reflektera ett rent skådespel.

Hans förståelse av elementet i observerbar verklighet matchades snart av en suverän, fantasifull, och han motsatte sig inte konstnärliga influenser när han befruktade sin kreativa Ande. Det var således det formella och strukturella inflytande som den speciella världen av japanska träbäddar hade på Degas konst. Japanska träsniderier av Hiroshige, Hokusai och Utamaro hade en annan karaktär och en annan sammansättning än europeiska konstnärer sedan renässansen.

Deras arbete uppträdde i Paris i ett tal och blev snart känt, älskat och till och med modernt. Dessa träsnitt förvärvades, samlades in och diskuterades av nyfikna och progressiva konstnärer vars författare inte koncentrerade strukturen och möjliga ide till mitten av bildytan, men förutspådde det, av en uppenbar tillfällighet, någon annanstans på ytan, kanske till kanten. Deras bilder var inte strukturerade i linjärt perspektiv, men allt uttrycktes och utvecklades på ett plan och i ett plan.

Om Degas målningar inte hade något visningsperspektiv, fick de aldrig ögat, tvärtom är han ofta avbildad på ett panorama sätt och använde ofta utelämnanden och korsningar; Hans bildstruktur letade inte efter ett centrum, och han saknade de flesta eller en liten del av föremålen och formerna vid kanterna. I mitten av seklet blev hans avsikter tydligare. Han fattade det ödesdigra beslutet att bryta upp det förflutna och historien och bara fånga nutiden, fenomen som intresserade honom i världen runt honom.

Hans första intresse var hästkapplöpning, och detta påverkade många andra egenskaper i hans konst, särskilt hans lätta rörelser och färger.

Hästar som gick nervöst, racers i färgglada sidenjackor som satt eller stod på dem, åskådare som var upphetsade och smart klädda, utsikten över gröna gräsmattor, rik variation i något brutet blått, dimma av luft och mjuka skuggor, alla skapade, bestående av intryck i honom och orsakade hans kappor. Året var en bild av hästkapplöpning på Paris Salon, men allmänheten och kritikerna uppmärksammade inte Degas arbete.

Dess nyhet chockade inte allmänheten, eftersom det bara var en blygsam avvikelse från det vanliga. Två år efter racing på tävlingarna vände Degas sin uppmärksamhet mot teatern, i synnerhet operaen. Detta var naturligt för konstnären, som var bekant med opera från sin tidiga ungdom och till och med hade tillgång till backstage-området. De första försöken var fortfarande bra.

För tillfället närmade han sig försiktigt det nya objektet. Hans första foto, av en balettdansare, var fortfarande lite besvärligt. Speciellt jämfört med de fantastiska lösningar som följde. Ingen rörelse, ingen lätthet. Men den är rik på skarpt observerbara detaljer som konstnären gärna fångar med sin pensel. Fram till dess var Degas en ensam scout i konsthålen.

Han har ännu inte hittat några artister med liknande ambitioner. En av orsakerna till detta kan ha varit hans tillbakadragna natur och familjens isolering från konstnärerna. De dåliga murarna som skilde de olika klasserna i det franska samhället under förra seklet illustreras levande av Balzacs romaner och berättelser, Delacroix dagböcker, den ryska Maria Baskiv och den ungerska dagboken av Sigmond Jura.

Därför var det naturligt att Degas hittade sin första vän som konstnär i familjen: Eduard Manet, som, liksom Degas, var son till en välborgerlig familj som inte hade några ekonomiska problem och inte behövde söka Offentlig försörjning för att hitta köpare för sitt arbete. Deras bekanta började, och när de förstod varandra väl i konstens problem började Degas snart leta efter företag utanför sina vanliga kretsar.

Medzoy var då en daglig gäst på Cafe Guerbois, ett lugnt cafe som var perfekt för samtal, och några av de unga konstnärerna som regelbundet deltog i salongens utställningar. Det var vid detta bord som Degas snart blev gäst. När Olympia of man orsakade en fruktansvärd skandal i salongen, och sedan en utomhusfrukost, krävde publikens ogillande Marada och flera unga men modiga innovativa artister-Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Jean-Federico och andra och andra - också en plats-begärde också en plats - en plats - frågade också plats.

Det var vid detta kafebord som Degas, som annars var så filmad, blev känd, till och med en slags långdistansvän, med impressionistiska artister-han skulle senare slåss sida vid sida i årtionden, liksom med författare, särskilt Zola, som stödde denna kamp så gott han kunde i pressen. För närvarande bestod denna kamp av professionella diskussioner, tysta debatter, ritning enligt etablerade principer och som regel misslyckade försök att demonstrera och sälja sitt arbete.

Alla dessa artister skapade flera tidiga mästerverk, men de är redan karakteristiska för deras ständiga utveckling Degas: orchestra, Monet: La Grenouill Xxre, jelly: det avgående skeppet, några av landskapen i Pissarro, etc. Medzoka var ett undantag, åtminstone hade han redan fördömts av forskare, allmänheten, allmänheten och kritiker, med undantag för Baudelaire.

Operaorkestern är en av Degas mest kända målningar, men den visades sällan under konstnärens livstid. Den visar en paus från klassiska utgångspunkter och pekar på realism och modern målning. Degas, som hittills var en historisk konstnär som letade efter Antik inspiration, går nu avgörande in i modern tid. Den skildrar livet för den parisiska eliten och fritiden. Hästkapplöpning, konserter och balettföreställningar på operan.

Bakom kulisserna tittar han, ritar och blir vän med musiker. Desiree, den falska dihau, blev vän med honom och betecknar honom. Omgiven av andra musiker är han en central figur i operaorkestern. Men alla ansikten är lika uttrycksfulla. Degas strävar efter att uttrycka varje persons egenskaper. Även dansarnas ben och kjolar, som dansar över musikerna, ger scenen en osannolik och suggestiv karaktär.

Till vänster, i lådan, är ansiktet på konstnärens vän, kompositören Emmanuel Chabrier, du vet inte om Degas-Bexau gav Blackhouse eller sålde det, men han är säker på att han behöll det tills musikerens död.

Vid sidan härom målade han vardagliga ämnen som Absinten () och Strykerskorna ().

Endast bristen på medel för att leva tvingade honom att överge målningen, och han donerade den till Luxemburgmuseet i Paris mot en evig livränta. Efter hans död blev båda Degas-verken den franska statens egendom. Bilden av orkesterns musiker är från samma period och är målad på samma sätt som operaorkestern. Degasa bryter mot reglerna för cirkulära föreställningar av teaterscener.

Han väljer medvetet en innovativ synvinkel som skapar kontraster och bryter ner proportioner, vilket ger hela kompositionen en distinkt modern karaktär. Båda målningarna är baserade på kontrasten mellan den mogna mänskliga världen, avbildad i mörka färger, och rampen, som badas i starkt ljus, effekten av ungdom och femininitet, representerad av ballettdansare.

Det här är inte porträtt, men genrebilder. De förväntar sig Degas senare fascination för balettdansare som konstnär. Det är trots allt välkänt att Edgar Degas älskade att måla detta motiv. I år började dock det franska kriget, vilket var så tragiskt för den franska nationen. Kantinföreningen upplöstes eftersom dess medlemmar antingen gick med i militären eller flydde utomlands.

Degas var också soldat, och även om han inte var på skjutlinjen, tog händelserna i kriget och efterdyningarna i Paris hans hand ur händerna i flera år. Under sin militärtjänst led han av en ögonsjukdom som han aldrig återhämtade sig från. Ibland lugnande, ibland repetitiva, men alltid mycket smärtsamma, påverkade hans ögonproblem hans syn och hans förmåga att bildas, och ledde så småningom till nästan total blindhet.

Omedelbart efter avskedet åkte han till New Orleans i Nordamerika för att besöka sin mors släktingar. Som under sitt besök i Italien utvecklade han en plan för ett gruppporträtt där han använde familjemedlemmar som modeller. Under sin vistelse i USA blev Degas trött på den oändliga serie porträtt som hans amerikanska familjemedlemmar bad honom att måla.

Så han började arbeta på en målning av ett kontor på ett bomullsföretag i New Orleans. I Louisiana "lever han för bomull och på grund av bomull", konstaterar han i sitt brev. Följaktligen är handel med detta "värdefulla material" ett lyckligt ämne för en bild som återspeglar den lokala färgen. Degas gillar att spendera tid på kontoret med sin farbror Michel Mousson, som syns i bildens första plan med ett bomullstest i handen.

Mitt i butiken sitter Rene de Gaz, bror till konstnären och son till Michel Musson, på en stol i "kliar" och läser en tidning. Till vänster lutar hans andra bror Achilles mot pengarfönstret med slarviga Fötter. De två brödernas eleganta slarviga ineffektivitet står i kontrast till andra människor som är upptagna med sitt arbete, och deras svarta kostymer står i skarp kontrast till den vita färgen på bomull, skjortor och tidningar.

Bilden togs efter hans vistelse i USA också den här gången målade han en bild på plats, men han gjorde flera detaljerade skisser av familjemedlemmar. En stor oljemålning målades i Paris, redan i ett gruppporträtt av familjen Bellli, Degas kompositionsstil visade en strikt struktur där enskilda figurer kännetecknas av en slumpmässig, till synes tillfällig attityd och artikulation. Denna effekt förstärktes inte bara i bomullshandlaren utan blev också rent mästerlig.

Efter sin återkomst till Paris presenterade Degas målningen på den andra impressionistiska utställningen. Allmänheten tyckte att det var för grunt och tråkigt och ägnade lite uppmärksamhet åt det. Under tiden drogs Degas uppmärksamhet till realism. Under sin vistelse i Amerika bestämde han sig för att "en naturalistisk ström som han är nöjd med åsikten att hans målning kommer att bli en del av en museumssamling smickrad av hans fåfänga.

Han ritade förmodligen också en pedikyr efter skisser från Louisiana. Konstnären använde subtila ljusspel för att uppnå det han ville ha i sitt arbete på papper och duk, som i hans målning Jocks. Tack vare färgen, som späds ut med terpentin, uppnår Degas specialeffekter, särskilt i de delar av tyget som barnet är inslaget i persiennernas veck. Den lilla flickan är dotter till Rene, konstnärens bror, med sin första fru Estelle de Gas.

När Degas återvänder hem från Amerika är han tillbaka i full gång med sitt arbete. Han skapade inte bara nya tyger utan fortsatte eller omarbetade också sina tidigare påbörjade, oavslutade eller otillfredsställande verk. Det råder ingen tvekan om att han har arbetat med några av dem i många år, och därför kan bara några av hans målningar från bekanta vara korrekta.

Detta hänvisar till det arbete som blev en avgörande vändpunkt i hans konstnärliga karriär, kugge på racerbanan och ett liknande tema hos idrottare framför podiet. I dessa verk bröt han mot reglerna för sammansättning av akademisk målning, som inte straffades för dem som ville vinna utmärkelser och framgång i salongen. Degas gjorde en bild av tanden på ett fantastiskt sätt.

I förgrunden ser vi Puppincon-familjen, som förbereder sig för transport. Han placerade inte bara huvudmotivet i bildens hörn utan kopplade också vagnshjulen halvvägs från bildens nedre kant. Hästens ben och till och med huvudet på en av hästarna togs bort från målningen. Bristen på detaljer kompenseras emellertid, och strukturens enhetlighet och balans tillhandahålls av en mer detaljerad, färgstark bostad i den andra halvan av bildrummet: rörliga, alternerande färgade fläckar av små figurer och ett kort maktblåvitt paradis ovanför dem.

Två punkter förbättrar ytterligare kompositionseffekten av färgen på Degas målningar. För det första är de skuggiga områdena inte täckta med svarta, grå eller blå gardiner, till skillnad från vad som var i föregående bild. Skuggor reproduceras endast i mörka och mindre ljusa nyanser i de använda färgerna. Tekniken han använde för att uppnå sina avsikter var mycket användbar. Han tog särskilt bort det mesta av den feta, glänsande oljan från de oljepaste som han vanligtvis använde och utspädde hårdheten hos de glanslösa men fortfarande oljepaste till en mjukhet som kan rengöras genom att tillsätta terpentin.

Terpentin, som är instabil av naturen, avdunstar snabbt och lämnar ett tunt lager av färglös färg. Effekten liknade på många sätt vatten och temperatur och gjorde det möjligt att uppnå en otrolig mängd nyanser. Hans målning av jockeyerna framför båsen baserades på skisser han gjorde live. Han tyckte att Meissoner var en" jätte bland dvärgarna", den bästa av de akademiska konstnärer som han föraktade, och beundrade hans ridmetoder.

Hans målning av Jocks utstrålar lugn trots den rastlösa hästen i bakgrunden. Bilden är långt ifrån den feberiska atmosfären vid tävlingarna, där hästens fästing åtföljs av publikens skrik, som Emile Zola beskrev i sin berömda roman "Nana". Degas väljer stunder av paus för att fånga ett djurs naturliga ställning. Framför målningen täcker Degas tyget med papper och målar på de platser där de mörkaste delarna av bilden finns.

Han gör en skiss med en penna och ritar konturer med penna och bläck. Först då applicerar han en färg blandad med olja för att få Matta, mindre glänsande färger, vilket är resultatet av olja blandad med terpentin. Bilden, som visades vid den första utställningen av den impressionistiska utställningen, köptes av operasångaren Jean Baptiste Fare Faure, var en samlare av impressionistiska verk och beställde fem målningar av konstnären Degas, försenade slutförandet av en av de beställda målningarna.

Degas är en perfektionist och har ofta en oändlig förmåga att förbättra sig. Jobbet tar tretton år att slutföra! Målningen fångar den rastlösa atmosfären fylld av spänning i rockloppet.Jockeygruppen till höger har sin motsvarighet till vänster i form av en ryttare på en häst med böjd rygg, som åker ett tåg som sprutar vit ånga. Hästkapplöpning, en amatör racer, började han måla brädet och avsluta Musxxe d ' Orsay - Paris.

Hans förmåga att forma rörelser på ett sensuellt sätt, hans analys av färgens värde och det tekniska experimentet som hjälpte honom att göra detta markerade också slutet på Degas regeringstid, som är den härskande mästaren i sitt andra ämne. Scener från teater och balett lämnade aldrig konstnärens tyg, och de utgjorde den stora majoriteten av hans forskning.

Han var tvungen att uthärda hårda, svettiga morgnar som balettlärare. Med samma lätthet som han senare använde hisnande ljus fångade han med samma naturlighet repetitionerna under repetitionerna och de skrynkliga, vardagliga bärbara föremålen, kläderna och möblerna som var utspridda på plats. I år beslutade en grupp vänner vid konstnärens bord i Cafe Guerbois att göra något underbart.

Eftersom dörrarna till salongens utställning inte var öppna för de flesta medlemmarnas arbete, bestämde de sig för att organisera en gruppföreställning utanför den officiella utställningen. De hade inte lämpliga lokaler, men deras vän Nadar, en välordnad, lekfull fotograf, gjorde sin studio och flera stora rum till sitt förfogande. Även om Degas inte behövde sälja, och hans fotografier vanligtvis utställdes i salongen, men inte med glädje, var han därför minst intresserad av en separat utställning, han var också oense med sina yngre kamrater i många frågor, men han var glad över organisationen.

Även om Medusa höll sig borta från företaget, fick han tio Degas-målningar. Det var på denna utställning som kritikern hånfullt kallade konstnärerna och deras målningar för "impressionister". Den parisiska publiken besökte utställningen för att skratta och håna, men hans karaktärer segrade senare över förbannelsen, och de verk de skrattade åt gav dem en anständig ära och världsberömd.

Degas tyckte inte om det impressionistiska konceptet. Därför använde bandet senare namnet Independents-Independents. Trots detta behöll han sina vänner hela tiden, och när bandet höll sin sista gruppshow bad han att delta i deras kamp. Han var och förblir en rik man med en säker inkomst och en aristokratisk känsla. Den enda gången hans förmögenhet var i kris var när han hjälpte sin bror, som hade problem på börsen.

Han spenderade inte sin inkomst på att köpa underhållning och livsglädje utanför. Han gick lätt, levde lätt, åt lätt. Han har aldrig varit gift, och vi vet ingenting om hans kärlek eller milda affärer. Hans enda kärlek var konst, och han tillbringade mycket tid på sin samlares passion. Han rusade ofta för att hjälpa sina målningsvänner genom att köpa deras arbete, vilket inte bara gav dem pengar utan också gav dem moralisk tillfredsställelse genom att uppskatta deras arbete.

Ett av de tidigaste och mest karakteristiska verk av Degas, där hans personlighet är tydligt synlig. En målning som heter dansare på räcket. Det finns många karaktärer, även om det bara finns två mänskliga figurer, två små dansare. Men räcken som de semestrande tjejerna lutar på sina utsträckta ben, brädorna som löper längs golvet på ett liknande sätt och slutligen vattnet i det vänstra hörnet, som nästan glöms bort, motsvarar helt dessa två figurer.

Den senare, förutom sitt visuella värde, ger balans till strukturen, som kan tippa om den inte existerar, och ger en känsla av frihet till stämningen i bilden. Men denna uppenbara tystnad hos bildelementen bryts och blir en livlig rörelse genom konturerna av de enskilda delarna som löper fram och tillbaka i varandra i varandra i varandra. Från det ögonblicket blev rörelse ett annat karakteristiskt drag i Degas verk, och implicit eller uttryckligen blev det en av de viktigaste faktorerna i den övergripande konstnärliga effekten under de följande åren.

På sjuttiotalet ägnade Degas det mesta av sitt arbete till porträtt av dansare och ballettdansare. Ett stort antal ritningar och detaljerade studier av sådana ämnen producerades under dessa år. Detta visar att han var en strikt kritiker av sitt arbete, men också att han fortsatte att skapa den slutliga formen för sina bilder i studion, baserat på hans forskning och minnen, samt i lydnad mot sin fantasi som designer och redaktör.

Det enda som är förvånande är att många förberedande steg, många försök, repetitioner och exakta överväganden inte gjorde det slutliga beslutet föråldrat och smärtsamt, utan tvärtom att bilden som äntligen visar ett mer perfekt resultat än någon tidigare skiss eller version. Och ändå arbetade han hårt, mycket, för att han utnyttjade de möjligheter som erbjöds nästan utan åtskillnad.

Goethes råd är att förstå livets rikedom, för när du accepterar det blir det en intressant och accepterad praxis genom Degas arbete. Han accepterade livets fullhet som uppenbarades för honom. Det fanns inget ämne som var ovärderligt för honom, oavsett vilket motiv han antog på borsten. Men oavsett vad han valde var resultatet alltid förbättrat, smakfullt och konstnärligt.

Detta illustreras i ett av hans mest kända och överraskande snabba verk, Place de la Concorde, som kommer att representera Paris skyline, men som har ett annat motiv. Namnet är en indikation på scenen, men de stora neoklassiska palatserna på torget, som har en kall högtidlighet, spelar den minsta rollen i själva målningen. Motivet är faktiskt ett porträttredigerat, förarrangerat gruppporträtt-men det är också bara en ursäkt.

Detta är en ursäkt för Degas att fånga färg och belysa ett direkt ögonblick av liv och rörelse på Place de la Concorde i Paris. Konstnären, som fotograf "omedelbart", projicerade en bild av sin vän Vasatte Lepic, som går över torget med sina två döttrar och en hund på sin duk. När de två tjejerna och den vackra hunden stannar ett ögonblick, när den manliga figuren vänder sig om för att följa dem, men han tittade bara på målningen till vänster eftersom konstnären just hade gett sitt skäggiga ansikte, kanten på hans hornhatt och den smala delen av hans långa, smala kropp som består av en smutsig slips, knappar mörka stenar och byxor visas på deras Tyg.

Läs också biografierna om det romerska riket Place de la Concorde, huvudpersonen är inte klar. Bildens nedre kant skärs Ovanför knäet, liksom de två små tjejerna i midjan och hundens främre ben. Till vänster, i bakgrunden, kommer två vagnshjul ut ur bilden, och ryttaren rider i motsatt riktning mot mitten. Därför talar vi om nedskärningar, nedskärningar och mörkare.

Kontrast och kontrast. Den stora likgiltigheten hos huvudpersonen, som fyller hela bildens höjd, betonar den intresserade tjejen i det högra hörnet, och det tomma mittfältet betonar rörelsen av mänskliga figurer framför. Och denna rörelse backas upp på ett oöverträffat sätt av nedskärningar och mörkare. Vi ser inte Lepics ben, men den utskjutande axeln på överkroppen, den skärande linjen på paraplyet som han håller till hands, som också skjuter fram och ner, och cigarren, som lätt sträcker sig från hans något upphöjda Huvud, får honom att röra sig och har mer kontroll än om hans steg förklaras pedantiskt de målade benen och det faktum att vi bara kan se två hjul på vagnen gör det troligt att det kommer att rulla i nästa ögonblick, och vi förväntar oss nästan att den inte helt upplevda manliga figuren till vänster om bildens hörn omedelbart ska följa lepics skämt, som ännu inte har märkt honom.

Sedan mitten av sjuttiotalet har Degas fantasi fångats av Cafe Shantant, de typer av människor och scener som fanns där. Han skapade en hel serie kompositioner av detta slag med utmärkt färg och ljuseffekt. En av hans första bilder var Sance du Chien Song of the Dog, där han fångade en artist som sjöng den då populära "hit song". Sångaren, med sin besvärliga figur, sprider sig besvärligt i trädgårdshörnan, där lyssnarna i nattbluesens blåaktiga skuggor är mer suggestiva än tydligt synliga.

Huvudpersonen framhävs av ljuset som reflekteras av den upplysta pelaren. Atmosfären i målningen återspeglar inte den glädje som kan förväntas av en kabaret. De färgade elementen och det optiska utseendet är mer som förvrängd exotism, en önskan att fly, ett rop på hjälp. Mysteriet är dock bara en del av pub-och kabaretscenerna, där flimrande, blekande och försvinnande strålar av konstgjort ljus mjukar upp och mjukar upp de ofta störande råa formerna och färgerna på förortsnätter.

I andra fall återspeglar han å andra sidan verklighetens slående egenskaper med den mest exakta observationen och registrerar dem i sina bilder med obeveklig objektivitet och utan nåd. Ett av de mest spännande och underbara exemplen på dessa skoningslösa skildringar av verkligheten är absinten i cafe. Förutom denna målning, som sticker ut i Degas arbete genom känsliga färgtoner och en fin pensel, är det ett utmärkt vittnesbörd om hans mästares psykologiska medvetande och förmåga att forma karaktär.

Framför den speglade väggen i cafe, förmodligen Null Aten, förmodligen en kvinna och en man vid en dyster bord. En kvinna klädd i billiga kläder nickar huvudet framåt, ögonen är nu helt tomma. Hennes hållning är sly, sorglös. Framför henne är ett stort glas av en oöverträffad, destruktiv dryck. Mannen har flyttat ifrån henne, hatten skjuts tillbaka på huvudet, tänderna är bitna runt röret, och han tittar bort på sin övergivna bild, nästan stolt, till och med trotsig.

Hans två trasiga spritpåsar är nu värdelösa byte för det materiella och moraliska förfall som redan har ägt rum. De kämpar inte längre med det, men deras attityd och uttryck visar att även om de gör det kommer deras ansträngningar att vara kortlivade, meningslösa och meningslösa. Läs också biografierna om Jean Arp Abint i en kaffebutik som en kvinna ger upp, en man visar nästan sin förstörelse.

Han skryter nästan om det. De två figurernas interna innehåll och typografi är Degas skapelse, eftersom de yttre funktionerna modelleras av två vördnadsvärda konstnärer, grafikern Desbutin och skådespelerskan Ellen Andre. Ingen av dem var besatt av alkohol. Det var Degas speciella talang - och det är det som skiljer honom mest från sina impressionistiska kollegor-att leverera sin fantastiska reproduktion av det naturliga landskapet, hans virtuösa reproduktion av hans optiska verklighet införde skarpa och övertygande egenskaper i den psykologiska karaktäriseringen.

I den här målningen, köpt av Count Camondo, den första riktiga finsmakaren och samlaren av impressionistiska konstnärer, och en gåva från honom till Louvren, kan vi också se att Degas inte gick med på försäljning av uttryck, poser och uttryck, men använde alla andra möjliga element i bildens struktur för att förmedla psykologiskt innehåll. Han flyttade figurernas rumsliga läge till det övre högra hörnet, så att den fantastiska förvrängningen av den kvinnliga figuren, som därmed är bordet.

Fragmenteringen och förvirringen av de två typerna av andligt innehåll framhävs av bänkskivans skarpa konturer, som också fungerar som en effektiv färgskalförstärkare, och här kan vi bäst förstå Degas påstående att han faktiskt är en färgist av fältets linje Den suddiga bilden av huvudet på de två figurerna i spegeln bakom dem, som löser upp bildens spektakulära reflektioner till en lugn och kanske tankeväckande övergivenhet, kompletterar hela kompositionen med lugn harmoni.

Degas målning kritiserades starkt i landet, och utställningen i London orsakade en riktig skandal. Men Degas, som alltid, skryter bara. Han har ingen medlidande, ingen nåd, inget godkännande, inget beslut. Det var med sådan objektiv likgiltighet som han skapade sin monotyp för tellierhaus Maupassants historia. Som författaren skrev, avbildade konstnären ett föremål som störde den borgerliga pseudopressen, utan att höja den moraliska piska som kunde lugna störningen.

Allt han gjorde var att beskriva en situation och en miljö som förvånansvärt förvrängs av en nästan otrolig övertygelse och realism. Efter hans återkomst från USA, flera Degas skisser gjorda av balettdansare. Han började måla i balsalen, som han avslutade runt Februari 12, författaren Edmond de Goncourt besökte honom i sin studio och skrev nästa dag i sin dagbok: "Jag tillbringade igår i studion av en konstig konstnär som heter Degas.

Efter tematiska försök och en omväg till olika trender blev han kär i nutiden, från vilken han valde kvinnor och dansare. Det är inte ett mycket dåligt val. Vid den första impressionistiska utställningen presenterar Degas sin arbetande balettrepetition på scenen. Kritiker har beskrivit denna monotona bild som en ritning snarare än en målning. Detta mästerverk, som är unikt i Degas konstnärskap, kännetecknas av exakt ritning och en full skala av grå precision, vilket indikerar att konstnären gjorde detta arbete som en föregångare för senare gravering.

Två liknande målningar, som dock har rikare färger, finns i amerikanska samlingar. I mer än ett kvarts sekel har Degas målat ballettdansare, skisser och deras skulpturer. Detta gör det lättare för oss att följa konstnärens utveckling. Oljemålningar, som är exakt ritade och eleganta i sina färger, kompletterar de senaste pastellerna, som är mättade med ljusa färger.

Han är lika stor konstnär som han är en stor krönikör av livet.

Degas began by copying Italian Renaissance paintings at the Louvre and trained in the studio of Louis Lamothe, who taught in the traditional academic style, with its emphasis on line and its insistence on the crucial importance of draftsmanship.

Det är viktigt att konstnären också är den främsta personlighetsutvärderaren och psykologen. I år återvände Degas till balettrepetitionen och avslutade den. Återigen möts vi av fantastisk utsikt. Parkettgolvet ser snett ut. Dansare som vilar i det främre planet är synliga bakifrån. I bakgrunden riktas lärarens uppmärksamhet mot studenten i rummet. Scenens realism motsvarar väl figurernas sammansättning i olika poser, på jobbet och i vila.

Läs också biografierna av Aischylo ballet-repetitionen repetitionen av scenens realism är väl lämpad för sammansättningen av figurer som fångas i olika poser, på jobbet och i vila. Till vänster sitter en dansare med en gul rosett på pianot och kliar sig i ryggen. Studenten med den blå bågen till höger tittar på handen. Till vänster en balettdansare som lutar sig mot väggen med läppar, fingrar och drömmar.Det finns skolflickor som står eller sitter inne i hallen med händerna på höfterna, höfterna eller armarna och väntar på sin tur.

Deras skumkjolar glittrar i det mjuka ljuset som badar teaterrummet. Ljuset belyser glansen av Atlas ballettskor. Spelet av ljus och skugga av hudfärgen hos unga tjejer. Professor Jules Perraults roll, som Degas berömmer som konstnär, betonas av den tomma halvcirkeln som bildas runt honom på golvet. Lärarens hand vilar på en pinne för att slå rytmen. Hela figuren dominerar scenen och blir målningskompositionens axel.

Även om Degas upprepade gånger och kraftfullt protesterade mot att bli övervägd och kallad en realistisk konstnär, kunde han inte helt försvara sig mot det realistiska, inte ens de troende, eftersom strävan efter extrem naturalism kallades ansträngning och utförande. Av denna anledning, och eftersom hans val av motiv inte tenderade att höja sig, mot det sentimentala - för att inte säga sentimentala teman och former, anklagades han ofta för att vara "vulgär".

Men detta innebar bara att Degas aldrig lämnade målningens speciella väg till retorikens och historiens Värld. För honom var motivet, motivet, motivet och föremålet för målningen där, och han avvisade något annat än det optiska förhållandet mellan målningen och betraktaren, vilket återspeglas i hans dansdanser. Den nuvarande scenen är i övre vänstra hörnet, där tjejer i ballettdräkter dansar.

En av dem är "naglar" på fötterna, medan en grupp av hennes kamrater bildar en cirkel och tittar på hennes rörelser. Till skillnad från dansarnas tråkiga gestalt är balettmästarens man besvärlig och tveksam, men allt vi ser är hans huvud och hans envisa överkropp, resten av hans kropp täcks av en balettdansare som kommer in från sidan och vars danssteg bara tjänar sitt eget nöje.

Hon ingår inte i gruppensemblen. Trots den olika scenen som ger filmen sin titel är huvudpersonen annorlunda. Läs också biografierna om Jeff Koons under dansövningarna runt honom är inte dansare eller en mästare, utan en ful gammal kvinna som sitter på en köksstol med benen utsträckta långt framför henne, nästan utspridda. Hon bryr sig inte om dansscenen och är inte heller intresserad av Mästarens handlingar.

Han grips av en tidning i handen. Det framgår av bilden att förutom de optiska ögonblicken finns det också ett ideologiskt innehåll som är spänt i kontrast i bilden. Flickorna dansar och instruktörens mästerliga ansträngningar och huvudpersonens likgiltiga passivitet, som bara förstärks av den transparenta skillnaden mellan den rörliga gruppen och den mörka, förstärkta klänningen.

Allt detta formuleras av disciplinen i det inre rummet, som återges i utmärkt perspektiv, och kontrasten mellan det mjuka glidande ljuset från någonstans till höger och skuggorna som är vävda in i det, vilket perfekt uttrycker bildstrukturen Läs också biografierna om Derard Mercator Dancers on Stage Dance Star om dansaren på scenen, som representerar Rosita Mauri, är också en pastellmålning, men i en monotypisk teknik som Degas ofta använde.

En monotyp är intrycket av en bild målad på en koppar-eller glasplatta på vått papper. Dansaren på scenen visades på den tredje impressionistiska utställningen. Kritikern Georges Riviret, en vän till Cezanne och Renoir, berömde målningens realism, medan senare kritiker betonade dess övernaturlighet. Ljusspelet och det ursprungliga perspektivet bidrar till den extraordinära effekten. Bakom scenen tittar dansare och en man på Primaballerina.

Med bara en huvudlös kropp är fokus helt och hållet på balettdansare som tenderar att publiken. Medan han väntar på sin målning, som han målade, viker han för två mänskliga figurer. Grunden för Degas konst var teckning. Det verkar som spontana rörelser, snabba bilder från repetitionsrummet, allt är anslutet i ett fast nätverk av linjer och färgytor är inneslutna i kontrasterande konturer.

I detta avseende följer Degas samma klassiska tradition som Ingres. Men Degas är också nära impressionisterna eftersom han vill fånga ögonblicket och skildra det moderna livet. Degas deltog i flera impressionistiska utställningar-konstnärens karriär [redigera wikita text från Redigera] Degas första målning från racingfälten är daterad, hans första fotografier från balettdansfältet Tillsammans med detta målade han vardagliga föremål, eftersom absint och strykskor senare blev kända för sina motiv med kvinnor i badrummet under toaletten.

Från slutet av talet bytte han till pasteller allt oftare. Bland dessa verk finns Hans La Danseuse Au Bouquet. Degas utförde också välkända ritningar, litografier och monotyper, varav den senare uppfanns av konstnären själv.